Дистанционное обучение летом

Реализация краткосрочной дополнительной общеобразовательной общеразвивающей программы «Передвижные выставки», педагог дополнительного образования Медведева Юлия Евгеньевна.

Дорогие друзья! Начинаем серию рассказов и экскурсий по изобразительному искусству Архангельской области. С 2013 года я занималась написанием статей о художниках-членах Союза Художников России для газеты «Правда Севера». Мною были написаны более пятидесяти статей и в 2016 году вышел крупный альбом с этими статьями.
В рамках дня «Архангельск глазами Художников» рада представить вам жизнь и творческий путь Валерия Таргонского.

Графические пейзажи Валерия Таргонского
Мате­ри­ал из бумаж­ного номе­ра газе­ты «Прав­да Севе­ра» за 14 мая 2014 года

Графические пейзажи Валерия ТаргонскогоГрафические пейзажи Валерия Таргонского
Валерий Филиппович Таргонский (21.01.1940 – 22.09.2003)

Работы Валерия Таргонского всегда выделялись своим неповторимым почерком и манерой исполнения: архитектурность заданной формы, акцент на графичность окружающего нас мира, в частности любимого Архангельска. Поэтому недаром жемчужиной выставки «Городской пейзаж», проходившей в Выставочном зале в 2013 году, стали картины именно этого художника.

Валерий Филиппович Таргонский родился 21 января 1940 года в Житомире. В 1965 году окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. Мухиной. С 1965 по 1968 год трудился начальником бюро технической эстетики Севмашпредприятия (Северодвинск). С 1968 по 1970 год – главный художник Архангельска.

Интересно, что самые известные работы Таргонского как художника-графика выполнены в соавторстве с женой Нелли Владимировной, тоже выпускницей ЛВХПУ им В. И. Мухиной, в период с 1961 по 1984 год. Творческий логотип художников – «ВИНТ» (Валерий и Нелли Таргонские) – буквально гремел в Архангельске. В журнале «Художник» о них писали: «Это художники хорошего вкуса и большой культуры».

В 1960–1970-е годы выходит несколько серий графических листов на тему «Архангельск современный»: «Архангельск строится», «Над городом», «Проспект Павлина Виноградова. Октябрь», «Архангельск. Будни»… Графика Таргонских имеет документально-художественную ценность. Она отразила особенные черты Архангельска эпохи 1970-х, выполнена в «суровом стиле» искусства тех лет.

В 1974 году художники Таргонские впервые побывали в заполярных Хибинах. Там и родились такие циклы графических произведений, как «Индустриальное Заполярье». Удивительно, что даже урбанистические промышленные пейзажи в их исполнении превращались в поэтические, полные лирики ландшафты.

Работы художников-графиков в 1970-е годы экспонировались на зарубежных выставках и неоднократно репродуцировались в художественных изданиях. В 1970 году Валерий Таргонский вступил в Союз художников России.

С 1973 по 1978 год Валерий Филиппович работал в комиссии Союза художников СССР по культурному шефству над судами речного и морского флотов СССР. В это же время он – член правления АОСХ, член республиканского художественного выставкома. В 1988 году ему присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР».

Помимо графических работ, очень известны работы Таргонского как проектировщика. Это проекты оформления туристического комплекса гостиницы «Беломорская», кафе «Садко», Ломоносовского двореца культуры в Архангельске. Кроме того, он – автор герба города Новодвинска, знака «Почетный гражданин города Архангельска».

Очень тяжело Валерий Филиппович переживал в 1984 году потерю жены. Всеми силами художник старался не падать духом. Тогда ему очень помогли поездки на Пинегу. Оттуда Валерий Таргонский привез новые работы: «Осень на Пинеге», «Деревня Кеврола», «Пинега. Русская печь», «Натюрморт на Полое». Неоценимой для художника стала и поддержка Лидии Александровны Колобовой – тоже художницы, а еще друга, соратника. В каталоге 2004 года для многих станут откровением его абстрактные работы, которые мало кто видел, поскольку Таргонский зачастую их просто раздаривал друзьям и знакомым.

Искусствовед Нина Филева отмечает необыкновенный артистизм художника, некий «налет игры, эпатажа»: «Он всегда был готов к прыжку из одного образа, состояния, переживания – к прямо противоположному, но глубоко скрытая в его природе нежность одерживала интеллигентное равновесие».

В 2003 году художник Валерий Таргонский находился в приподнятом состоянии, у него было много идей и планов, но 22 сентября нелепая случайность прервала его жизнь. В 2004 году в Архангельском музее изобразительных искусств состоялась ретроспективная выставка Валерия Таргонского. Выставка включала в себя более 80 графических работ.

Также в качестве обучающего материала, мы будем предоставлять вам мастер-класс по каждой теме.

Сегодняшний мастер-класс называется «Слова и места».

На этом занятии мы совместим нарисованный пейзаж с текстом, но не для пояснения, а для того чтобы вызвать воспоминания. Наверняка, у каждого из вас есть воспоминания, связанные с детством, проведённом в нашем городе. Например, у меня это походы на стадион Динами с дедушкой и потерянная рукавичка. В результате такого эксперимента на рисунке возникнет совершенно непредсказуемое взаимодействие текста и ощущение места.

Рисунки, я прикреплю ниже.

Материалы:
- гель для акриловой краски
- фотография или изображение пейзажа (не обязательно городского)
- маркеры
- акриловые краски
- прогрунтованный холст (если нет, то возьмите плотный картон или двп).

Начнём!

1. Выберите рисунок или фотографию пейзажа, который имеет для вас какую-то значимость (рис.1).
2. Напишите на бумаге слова и фразы, связанные с этим пейзажем.
3. Порвите бумагу на отдельные слова, помнИте ее и сделайте из обрывков коллаж на холсте (или другой поверхности), используя акриловый гель в качестве клея. Мятая бумага придачи вашему фону интересную текстуру (рис.2,3).
4. Когда коллаж высохнет, нарисуйте поверх него пейзаж, используя прозрачные краски, там, где вы хотите сохранить текст (рис.4).

Лайфхак: можете не клеить бумагу со словами, а просто написать эти слова прямо на холсте. Вы также можете использовать разную ненужную бумагу, например, старые письма или карты.

Почти все художники стараются запечатлеть пейзаж, работая на пленэре.
Живопись на открытом воздухе (или пленэрная живопись) - это практика живописи на открытом воздухе, зарисовка людей, пейзажей и сцен в естественном свете, которая отличается от живописи в помещении из эталонных эскизов, фотографий, моделей и прочего.
Живопись на открытом воздухе была популярна среди французских импрессионистов. Это стало возможным благодаря изобретению переносных тюбиков с краской и пленэрного мольберта, а также благодаря использованию уникального набора навыков и приемов.
Вы можете попробовать выйти на пленэр в любом возрасте, но для этого необходимо знать несколько правил:

Правило 1: ВЫБЕРИТЕ ФОРМАТ БУМАГИ и МАТЕРИАЛ

Вы можете использовать любую краску, которую вы хотите, но с гуашью вам будет проще работать.
Пленэрная живопись подходит для любых условий окружающей среды, но гуашь -водорастворимая и быстросохнущая, поэтому лучше попробовать поработать с ней.
Работайте с небольшими форматами бумаги, обычно размером не более 5 x 7 дюймов, и всегда начинайте рисовать с самой большой щеткой, такой, как, например, 1-дюймовая кисточка. Постепенно доходите до небольших кистей, когда начнете работать с деталями. Глянцевый картон для рисования идеально подходит для работы с гуашью.

Правило 2: Определитесь с местом для работы.

Как городские, так и загородные пейзажи предлагают большое множество отличных мест для рисования, давая вам возможность практиковаться и учиться новому.
Вам нравится работать в одиночестве, создавая свои произведения? Если вам не комфортно находиться рядом с незнакомыми людьми, комментирующими вашу работу, вы, вероятнее всего, захотели бы отправиться далеко в лоно природы, избегая тем самым оживленных улиц. Хороший совет в таком случае - надевайте наушники, если хотите избежать общения с прохожими.

3. РЕШИТЕ, ЧТО РИСОВАТЬ

Выбрав подходящее место, разведайте окружающую обстановку. Найдите отличное освещение, но имейте в виду, что оно может быстро меняться. Также подумайте о том, сколько времени у вас есть на рисование – не выбирайте что-то сложное, если у вас есть только 30 минут, чтобы его нарисовать.
Не бойтесь фокусироваться на маленьких предметах, таких как, например, цветок. Не плохой идеей будет сделать фотографию объекта, который вы планируете нарисовать, если вы только начали и хотите закончить работу дома.

4. НАСТРОЙТЕСЬ НА УСПЕХ
Расположите все свое оборудование так, чтобы все необходимое было под рукой.
Хороший набор для пленэрной живописи будет хранить все ваши рабочие материалы под рукой. В вашем мольберте-этюднике должны помещаться бумага или холст, а также палитра, полотенце, стаканчик с водой, набор кистей и, по крайней мере, несколько тюбиков краски. Вы же не хотите прерывать свою работу каждые пять минут, чтобы найти нужную кисть или цвет. Прежде, чем приступить к работе, вылейте как можно больше краски и смешайте любые основные цвета, которые вам нужны.

5. НАЙДИТЕ ИНТЕРЕСНУЮ КОМПОЗИЦИЮ
Никогда не забывайте правило трех.
Ваша композиция, пожалуй, самый главный фактор, сигнализирующий о том, создаете ли вы произведения искусства или ваши картины не так уж хороши. Используйте свои пальцы, чтобы сформировать видоискатель для обрамления объекта, а затем перенесите кадрирование на холст как можно быстрее в простом карандашном эскизе.

6. РАБОТАЙТЕ ОТ БОЛЬШОГО К МАЛОМУ
Закрасьте грубые формы с помощью большой кисти, а затем приступайте к работе с более мелкими деталями.
Постарайтесь как можно дольше продолжать работать с самой большой кистью. Это поможет вам увидеть вместо деталей формы, и заставит вас сосредоточиться на общих цветовых соотношениях изображения. Мы уже подробно показывали принцип работы в данной технике в нашей статье "Захват естественного света в ваших картинах".
Когда вы чувствуете, что вы просто не можете нарисовать какую-то необходимую вам деталь с помощью большой кисточки, возьмите кисточку чуть поменьше, но старайтесь насколько это возможно, избегать пользоваться в работе тонкими кисточками.

7. НАБЛЮДАЙТЕ ЗА ЦВЕТОМ
Одной из самых распространенных проблем среди новичков является правильный выбор цвета. На самом деле, этот процесс намного сложнее, чем кажется! Мы все можем отличить красный цвет от синего, но, когда вы попадаете в запутанный мир коричневых, серых и пурпурных тонов и полутонов, все становится намного сложнее.
Тени могут быть теплыми, свет может быть холодным ... здесь нет жестких и быстрых правил, просто старайтесь соблюдать правила и прибавлять цвет тогда, когда это необходимо.

8. ПРОСТО НАЧНИТЕ ЭКСПЕРИМЕНТИРОВАТЬ
Иногда хорошо выйти из собственной зоны комфорта и начать экспериментировать.
Не каждой картине, которую вы создаете, суждено стать шедевром, но именно так вы сможете понять, что вас подталкивает. Иногда важно оставить свое эго дома и несколько дней просто побездельничать.
Попробуйте поработать с новой кистью или другим типом краски. Сделайте для себя страницу с крошечными миниатюрами для изучения цветовых соотношений. Попробуйте поработать по-крупному. Попробуйте смешать тона. Узнайте, что работает лучше для вас.

9. НАСТРОЙТЕ СЕБЯ НА ОПРЕДЕЛЕННЫЙ РИТМ
Будьте в курсе того, сколько времени у вас есть и настройте темп своего рабочего процесса для соответствия.
Было бы замечательно, если бы мы могли провести весь день, рисуя на открытом воздухе, но, скорее всего, вы будете ограниченны во времени. Пары часов достаточно, чтобы создать картину, которая захватывает все основные элементы большинства сцен.
Зная, что у вас есть только 30 минут, вы можете по-другому посмотреть на вещи и даже можете быть приятно удивлены тем, насколько более свободной и более живой стала ваша работа в рамках ограниченного времени.
Самый большой подарок, который может сделать фотография художнику - это заморозить движение – идеальный вариант для эталонного изображения. Поэтому, когда я впервые начал работать с пленэрной живописью, мне пришлось смириться с тем, что реальность не стоит на месте. Солнце движется по небу, волоча за собой каждую тень. Оно ныряет за облака. Они меняют цвет.
И это еще не все. Люди, как и животные, приходят и уходят. Деревья двигаются. Волны плещутся. Лодки раскачиваются при порыве ветра. Ты не осознаешь, насколько изменчива реальность, пока не попробуешь ее нарисовать.
Поэтому сделайте глубокий вдох и возьмите свои лучшие карандаши. Пока вы будете работать, все поменяется, да это так, но вы не получите ответа на вопрос до тех пор, пока это все не произойдет. Вы не сможете выиграть эту битву. Вместо этого, начните с поиска...

10. ВООБРАЗИТЕ, ЧТО ВАШИ ГЛАЗА - ЭТО ВАШ ФОТОАППАРАТ
Мир - это не фотография. Он постоянно движется и меняется. Чтобы не отставать, необходимо наблюдение в сочетании с глубокой визуальной лексикой.
Сделайте «снимок" своими глазами, стараясь впитать в себя как можно больше информации: изгиб ее плеч, ощущения со спины, то, как вода ловит свет. Успокойтесь и получите как можно больше информации в моменты, которые у вас есть.

11. СИСТЕМАТИЗИРУЙТЕ ВСЕ, ЧТО ВЫ ВИДИТЕ
Эскиз – это то, как художники делать заметки. Таким образом, часть вашего начального снимка должна включать эскиз. Определитесь с вопросом, как систематизировать все, что вы видите в одну единую художественную композицию. Когда что-то меняется, и вы отвлекаетесь на это, ваш эскиз поможет вам вернуться к своей идее.

12. НАРИСУЙТЕ ТО, ЧТО ВЫ ВИДИТЕ
Храните эскизы там, где их можно рассмотреть во время рисования.
Красота пленэрной живописи и работы с жизненными ситуациями в сравнении с фотографией заключается в том, что жизнь предлагает идеализированную информацию. Цвета на 100 процентов точны. Разрешение бесконечно четкое. Теперь настало время дать потренировать ваши навыки наблюдения. Действительно начать работать, чтобы увидеть все, ведь мы так редко это делаем.

13. НАРИСУЙТЕ ВСЕ, ЧТО ВЫ ЗНАЕТЕ
Потому что у вас есть только один шанс ухватить предметы, которые перемещаются и меняются, вам нужно широкое визуальное понимание, чтобы заполнить пробелы. Нет определенного ярлыка для разработки этой системы, просто нужно много и часто рисовать. Делайте заметки глазами, а затем заполняйте пробелы своим пониманием.

14. СОЗДАВАЙТЕ КАК МОЖНО БОЛЬШЕ РИСУНКОВ
В следующий раз я расскажу, какое снаряжение вам понадобится, чтобы начать ваше приключение в мир пленэрной живописи, но инструментом номер один является альбом для рисования. Держите всегда под рукой один на все случаи жизни. Пусть он займет место вашего мобильного телефона, когда вы находитесь в кабинете у врача или в кафе. Углубите визуальное понимание.
Как только вы начнете работать с пленэрной живописью, как вы думаете, что вам понадобится в первую очередь? Прежде всего, поймите, что любой носитель, который вы используете в студии, можно вынести на улицу. Сюда можно включить цифровые, пастельные, акриловые... дальше можете продолжить сами.

Живопись на свежем воздухе схожа с кемпингом: она требует предварительной подготовки. В студии все, что вам нужно, находится в пределах вашей досягаемости. Но, вот что удивительно, как часто, выйдя на улицу, вы понимаете, что забыли какой-то пустяк, который приводит вашу затею в настоящий хаос. Моя самая распространенная ошибка в работе с пленэрной живописью –я все время забываю принести пластиковый пакет для продуктов, чтобы сложить туда все мои грязные тряпки. Я не могу сосчитать, сколько раз меня ловили именно в тот момент, когда мне некуда было положить целую горсть грязных бумажных полотенец.
Так что первое, что вам необходимо сделать, это собрать пленэрный "комплект" со всем необходимым. Здесь абсолютно не нужно фантазировать, просто соберите его в соответствии с вашим стилем работы.
Одна интересная вещь, которую я предлагаю, заключается в том, чтобы установить для себя своего рода ритуал "возвращения домой": почистите кисти и палитру, замените использованную краску, соберите свои мешки для мусора. В следующий раз, когда вы решите сбежать из студии для работы на природе, вы будете во всеоружии.

15. МАТЕРИАЛЫ ДЛЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА
Я использую два рулона бумаги: один для больших и ярких картин, а другой для небольших акварельных зарисовок.
Пленэрная живопись подходит для работы в любых условиях. Гуашь растворяется в воде, быстро сохнет и легко транспортируется, поэтому является хорошим материалом для работы. Популярными брендами являются Holbein и Windsor & Newton.
Моим любимым аксессуаром для работы с пленэрной живописью являются пластмассовые доски или холсты – они прочные и при этом легкие для транспортировки. Сюда же входят кисти и растворитель, коробка для переноски влажных картин и пластиковые продуктовые пакеты для сбора грязных тряпок. Для отработки композиций карандаши и блокнот также будут весьма полезны.

16. СОБЕРИТЕ ВСЕ САМОЕ НЕОБХОДИМОЕ
Французские мольберты приспособлены для работы с большими картинами, но они слишком громоздкие.
По мере того как растет популярность пленэрной живописи, растет и ассортимент материалов для изобразительного искусства, в частности, это касается мольбертов. Огромный выбор мольбертов, от проверенных временем французских мольбертов, до современных пленэрных и легких переносных. Не стоит пугаться: нет неправильного выбора, и вам не нужно начинать свой выбор с чего-то необычного.
Небольшие переносные мольберты вмещают в себя картину и расходные материалы. Они бывают разных размеров и прикрепляются к штативу фотографа. Они созданы под оптимальный размер картины (к примеру, 9 x 12 дюймов). Вы можете работать и с другими размерами, но мольберты с оптимальным размером служат еще и в качестве переноски картин, позволяя вам нести 2 или даже 3 влажных картины внутри коробки. Вы также можете хранить в них свои краски.

Большим преимуществом французского мольберта является то, что он может вместить большие картины. Так же, как и в переносных мольбертах, он позволяет вам хранить щетки и краски внутри своей раздвижной двери. Одним из недостатков является то, что он относительно громоздкий и неудобный для установки.
На рынке есть целый ряд легких мольбертов, в том числе микро мольберт Strada. Они отлично подходят для путешествий на самолете или для транспортировки в рюкзаке. Обратите внимание, что они могут быть неустойчивыми в ветреные дни.
Если вы предпочитаете рисовать сидя, вам также понадобится легкий стул и зонтик, чтобы на рисунок не попадал прямой солнечный свет.

17. ПЕРЕНОСНАЯ ЭКИПИРОВКА
Поскольку не до всех пейзажей, которые вы хотели бы нарисовать, можно добраться на машине, неплохо было бы подумать и о переноске вашего рабочего снаряжения. Когда вы путешествуете пешком по пересеченной местности, вес и компактность становятся проблемой. Намного сложнее карабкаться по скалам, неся пластиковые пакеты с продуктами, чем рюкзак для учебы.
Хороший рюкзак - это основа вашей экипировки для рисования. Ищите такой, у которого расположен на задней части отдел с молнией, позволяющей хранить все содержимое в сохранности даже тогда, когда рюкзак открыт; убедитесь, что он имеет много свободного места для всего необходимого и удобен в применении. С ним вы сможете пойти на любое мероприятие, посвященное пленэрной живописи, или выбрать более общий походный рюкзак.

18. ВСЕСЕЗОННАЯ АМУНИЦИЯ
Когда бывает действительно холодно, я кладу грелки для рук в перчатки, сапоги и под шапку.
Не забывайте про аналогию с кемпингом и возьмите с собой бумажные полотенца, спрей от насекомых и солнцезащитный крем и все то, что может понадобиться на природе зимой и летом. Опять же, вспомните о кемпинге. Вам понадобятся перчатки, шляпа с полями, дождевик и прочная удобная обувь.

Добрый день!

Пока мы готовим презентацию по сегодняшней теме, предлагаем вам попробовать себя в качестве портретиста, используя на первый взгляд, «детский» материал.

Мастер-класс «Портрет масляными карандашами»

Материалы:
масляные карандаши
прогрунтованная поверхность
мастихин для соскребания

Масляные карандаши отлично подходят для рисунка на акриловой или масляной основе. Они изготовлены на основе воска, льняного масла и краски и бывают разных размеров - от самых тонких до самых Толстых. Они придадут вашей картине свежий цвет, а линиям - динамику. Очень интересно, когда основа рисунка проглядывает через слой масла. Можно процарапать мастихином верхний слой, чтобы просвечивали нижние цвета.

Начнём!

Приготовьте основу, на которой вы будете рисовать. Вы можете сделать набросок и потом доработать его. Набросайте основные формы, которые затем прорисуете масляными карандашами (рис.1).
Выберите 3-4 карандаша, которые гармонируют с основой и начните наносить слои (рис.2).
С помощью мастихина попробуйте процарапать верхний слой, чтобы проглядывали нижние цвета (рис.3).

О карандашах: масляные карандаши марки Sennelier похожи на губную помаду. Секрет в составе: скипидар и льняное масло создают тонкие мазки. С их помощью можно делать сложные линейные рисунки, а потом смягчить линии разбавителем, чтобы добиться эффекта просвечивания.

NB: Нельзя использовать водный разбавитель поверх масляных карандашей.

Когда мы говорим об искусстве, созданном женщиной, то чаще всего мы вспоминаем Зою Серебрякову, Фриду Кало или Марию Башкирцеву, но в истории искусства были свои незамеченные "звезды", о которых было бы вам интересно узнать.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4182/

Сегодня день, посвящённым животным.

И сегодня мы будем рисовать собаку.

Материалы:

- 1-2 угольных карандаша
- холст или картон размером 30х30 см
- акриловая краска: белая, черная, коричневая, желтая, красная и синяя
- палитра для красок
- фотография собачьей мордочки с четкими чертами

Начнём!

1. Выберите фотографию собаки. Мысленно разделите ее на 4 равные части. Углём разделите холст на квадраты: длиной 7,5 см по горизонтали и 7,5 см по вертикали. Посмотрите на фото и определите, какие детали расположены в каждой части.
2. Выдавите каску на палитру. Смешайте 2-3 серых оттенка, 1-2 коричневых и несколько цветных для оживления рисунка.
3. Внимательно посмотрите на фото и подумайте, что особенного в этой собаке. Она улыбается? Какая у неё шерсть? Какое выражение глаз вы хотите передать? Она дурашливая или симпатичная, а может, и то, и другое?
4. Сделайте четкий задний план или просто размытый фон.
5. Сделайте набросок углём на холсте. Отметьте, где будет рисунок и как он соответствует фотографии. Оцените картину в целом, а не отдельные части. Пусть мазки и цвет будут выразительными.
6. Можно добавить больше деталей. ПомнИте, рисовать должно быть весело!

Про анималистический жанр

Еще в произведениях первобытного искусства, будь то пещерная живопись или резная кость, встречались изображения животных. Они занимали важное место в искусстве на протяжении всей истории человечества: начиная с палеолитической наскальной живописи Ласко и заканчивая акулой Дэмиэна Херста в формальдегиде.
В каждой культуре были свои причины изображать животных. В средние века и в эпоху Возрождения они часто символизировали христианские ценности: собака была олицетворением преданности, голубь - Святого Духа, а лев символизировал мужество.
Тотемы североамериканских индейцев и рисунки аборигенов Австралии изображали животных, которые считались предками людей, и во многих более ранних обществах, например в Древнем Египте, животные были символами богов или высших сил. В живописи и скульптуре классицизма и романтизма образы животных зачастую использовались как олицетворения чести и благородства. Делакруа особенно вдохновляла энергия диких животных, он делал наброски в ботаническом и зоологическом саду Парижа Делакруа, Жерико и многие другие художники, например Джордж Стаббс (1724-1806) и Шарль Лебрен (1619-1690), восхищались лошадьми, по их мнению, воплощавшими силу, скорость и страсть.

ГЛАВНОЕ
В творчестве многих художников, например Делакруа, Рубенса и Гойи, Руссо и Кало, животные олицетворяли разные явления - от экзотики, свободы и драмы до личных переживаний. Франц Марк (1880-1916), основавший вместе с Василием Кандинским (1866-1944) группу экспрессионистов "Синий всадник", часто изображал животных как символы духовных ценностей, Пикассо также включил их образы в свою сложную символическую систему.

«ЛЕС ЧУДЕС»

Архангельские художники впервые подготовили проект, в котором сойдутся портреты животных, деревьев и цветов. В настоящее время, когда лучшие умы планеты думают о судьбе современной экологии: количестве и переработке мусора, не гуманности контактных зоопарков и цирков, пожарах сибирских лесов, художники поразмышляли на тему того, кто такие лесные жители, взглянули им в глаза, и поделились этими впечатлениями со зрителями. В этом лесу Вас ждет встреча с миром животных (звери, птицы, насекомые, рептилии и т.д.) и миром растений (деревья, цветы, травы и т.д.). Отсутствовать будет только человек. В какой-то мере, разрушитель этой внутренней гармонии, поработитель и уничтожитель. Никакого его присутствия на холстах. Вы будете наблюдателем мира дикой природы. Подобной выставки не было никогда, и она будет действительно новой выставкой, т.к. не менее 80% выставки будет состоять из совершенно новых работ в области живописи, скульптуры, графики и декоративного искусства.

Куратор проекта: Дмитрий и Сергей Трубины. Помимо их работ, на выставке были представлены работы профессиональных и самодеятельных художников Архангельской области.

Разберем два основных образа с выставки. В изучении темы мы использовали труды А.Варакина и описание тотемных животных из трудов Теда Эндрюса.
Жираф - самое высокое млекопитающее. Благодаря своему огромному росту он способен видеть на огромном расстоянии, и это символически связывает его с даром предвидения.
Шея - это мост, соединяющий голову с туловищем, высшие миры с низшими. А мост - это путь, ведущий в новые сферы бытия, к новым способам восприятия. Длинная шея ув сочетании с исключительно острым зрением делает жирафа могущественным тотемом. Горло и шея ассоциируются с общением и самовыражением. Жираф редко издает звуки. Правда иногда он всхрапывает, мычит или блеет.
Длинные тонкие ноги жирафа также символичны. Ноги - это средство передвижения. Они символизируют равновесие и способность передвигаться вперед. Голова жирафа украшена рогами, непохожими на рога других животных. Они представляют собой тупые длинные отростки, покрытые кожей. Жираф никогда их не сбрасывает. Рога - это своеобразные антенны, символизирующие настройку на высшие умственные способности и высшие формы восприятия. На самом деле, у жирафа не два, а целых три рога. Третий больше похож на шишку, обтянутую кожей, но зато он находится прямо над глазами, посередине лба. Такое место связано с так называемым третьим глазом - органом высшей интуиции.
Ворона
Мой дедушка однажды сказал мне, что ворона является самой умной из всех птиц. Более того, она сама знает, что является самой умной из птиц, и в полной мере умеет этим пользоваться. Более того, она настолько умна, что захотела остаться вороной, вместо того чтобы эволюционировать в кого-то другого. Она обладает уникальной способностью обманывать большинство птиц, животных, а подчас и людей и создавать для себя наилучшие
условия существования. О ней часто говорят, что она из тех, кто считает, что лучше править Вороны привлекают к себе интерес и одновременно раздражают нас. С ними, так же как и с другим представителем их семейства – вороном, связано много мистики. Существует
пять видов ворон, одним из которых является ворон. Поскольку они относятся к одному семейству (различаясь между собой только размером), людям, чьим тотемом является ворона, полезно было бы изучить также свойства ворона и связанные с ним легенды. Первым отличительным признаком этой птицы является ее поразительный черный
цвет. Иногда, правда, могут встречаться птицы с вкраплениями перьев темно-синего и пурпурного оттенка. Черный цвет является цветом созидания. Он олицетворяет чрево, из которого рождается что-то новое. Это цвет ночи. Черный – это цвет, символизирующий Великую Мать; черная ночь дает начало новому дню. Благодаря своему цвету ворона
служила символом, широко распространенным в средневековой алхимии. Она олицетворяла «нигредо», начальное состояние первичной материи – не имеющее формы, но несущее Древние римляне считали, что ворон и ворона изначально были белыми, как лебеди. Согласно легенде, белая ворона охраняла беременную возлюбленную Аполлона в Дельфосе.
Однажды ворона принесла Аполлону плохие известия и почернела.
Вороны действительно превосходные часовые. Они селятся большими стаями и всегда выставляют охрану. Они строят гнезда на верхушках деревьев, чтобы иметь возможность обозревать всю территорию, где они обитают и кормятся. Время от времени можно увидеть, как вороны атакуют и убивают одного из своих сородичей. Когда-то существовало поверье, что такая ворона была стражем, не справившимся со своей задачей. Это напоминает о том, что может произойти, если мы не будем каждый день стремиться к самосовершенствованию.
Бдительность позволяет воронам вовремя предупреждать своих сородичей и других животных о грозящей опасности – со стороны людей и хищников. Когда вороны обнаруживают поблизости охотников, они устраивают гвалт. Они учитывают возможные опасности и всегда выставляют наблюдателей, когда кормятся – в это время они наиболее
Способность предостерегать связана со вторым отличительным признаком вороны – ее голосом.

Сегодня мы обращаемся к теме ландшафтного символа и рассмотрим их на примере работ Архангельских Художников, а пока познакомимся с основными понятиями.

Ваше задание на выходные. Вы, наверняка, слышали о волшебных мандалах, которые несут в себе тайные смыслы и символы.

Рисуем мандалу

Начинающим художникам обычно советуют не размещать предмет в центре картины, так как это может создать образ, на котором отдыхает взгляд. Создание мандалы - это отличная возможность поиграть с симметрией. Эта работа поможет вам успокоиться и прийти к душевному равновесию.

Материалы:
- карандаш
- Бумага
- Краска на водной основе
- Маленькие кисти

Начнём!
1. Найдите солнечное и приятное вам рабочее пространство.
2. На квадратном листе бумаги найдите (без линейки) центр и нарисуйте первую центральную фигуру. Не определяйте ее форму заранее, рисуйте спонтанно (рис.1).
3. Выберите палитру из 3-4 цветов и создайте такой рисунок, чтобы цвета гармонировали, но чтобы он был не слишком пестрым (рис.2).
4. Чередуйте фигуры на противоположных сторонах, чтобы создать воображаемую ось симметрии (рис.3).
5. Продолжите рисовать веером фигуры, пока не почувствуете, что общий рисунок гармонично заполнил весь лист бумаги (рис.4).

10. 08 - день портрета. Изучаем портрет во всех проявлениях.

Мастер-класс «Автопортрет»

Материалы:
- большой холст или картон
- краска
- предметы для создания образа на картине
- зеркало или фотография
- угольный карандаш

Фрида Кало - мексиканская художница, наиболее известная своими автопортретами. ЯВ этом проекте попробуйте взглянуть на свою жизнь со стороны и внести в автопортрет свои значимые символы.

Начнём!
1. Подумайте, что Бывший хотели внести в свой автопортрет. Вдохновением для моих студентов служил какой-нибудь особенный пейзаж, на фоне которого они изображали себя, животные, с которыми их что-то связывало, а также карты и флаги разных стран.
2. Начните рисовать углём композицию, объединяя на холсте разные элементы (рис.1). На перегрузите рисунок лишними деталями.
3. Используйте не более четырёх цветов, чтобы сохранить гармонию (рис.2,3)

Фрида Кало
Большую часть жизни Кало провела в Мексике. Отец познакомил ее с живописью после автобусной аварии, чтобы развлечь, пока она выздоравливала. Самобытная культура народа, растительный и животный мир ее родины стали для Фриды бездонным колодцем вдохновения.

Мы надеемся, что выставка Фриды посетит Выставочный зал в следующем году, и будем рады видеть вас на наших экскурсиях.

О портрете

Слово «портрет» образовано от лат. portrahere - «выдвигать вперед» или «выводить на свет». Все портреты стремились передать сходство или показать личные качества – от погребальных египетских фаюмских до автопортрета Марка Куинна из его замороженной крови.
В древних средиземноморских цивилизациях, в том числе Египте, Греции, Риме и Византии, портреты размещались в общественных местах или создавались как часть ритуала сохранения памяти об умерших богатых могущественных людях. Некоторые ранние портреты были нарисованы на деревянных досках и прикреплялись к египетским мумиям в I в. до н.э. Скульптурные и живописные портреты важных личностей в предельно реалистичной манере были популярны в Древнем Риме. Портреты, которые должны были создавать узнаваемый образ человека, обычно воплощали характер и уникальные личные качества: силу, могущество, красоту, богатство или ум. Часто внешность человека стремились приукрасить, но некоторые художники, например, Гойя, Ж Тулуз-Лотрек, Отто Дикс и Люсьен Фрейд (1922-2011), избегали приукрашивания (а порой и подчеркивали недостатки). В эпоху Возрождения многие художники, например, Леонардо, Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Ван Эйк и Ганс Гольбейн Младший (1497-1543), стремились соединить портретное сходство с эмоциональной выразительностью.
Особым успехом пользовались портреты, в которых сочетались лесть, идеализм и реализм. Портретисты получали заказы на образы правителей, религиозных лидеров, военачальников и аристократов. Художники стремились показать их силу, уверенность и, возможно, положительные качества, которыми человек не обязательно обладал в реальности.
АВТОПОРТРЕТ
До начала эпохи Возрождения автопортреты были редкостью, хотя и сохранилось несколько таких произведений времен Древней Греции Древнего Рима. Автопортрет был для художника способом привлечь внимание к своей личности или оставить на картине своего рода подпись, как делали Рембрандт или Ван Эйк, включая в крупные картины свои небольшие изображения: Пьеро делла Франческа (1415/20-1492) даже показал себя в виде солдата на картине «Воскресение Христа». Многие автопортреты создавались как личная рефлексия (Рембрандт), но большинство служили для утверждения собственного положения, статуса или демонстрации своих навыков либо репутации, как на королевских портретах Веласкеса и Гойи. Почти все художники, начиная с эпохи Возрождения, создавали хотя бы по одному автопортрету, но некоторые особенно в этом преуспели: Дюрер, Рембрандт, Джошуа Рейнолдс (1723-1792), Пикассо. В ХХ в. автопортреты стали обязательными для каждого художника. Макс Бекман говорил: «Одна из моих проблем - найти себя», а Эдвард Мунк часто писал себя, выражая депрессивные чувства, вызванные переживаниями из-за жизненных проблем.
Некоторые художники, например, Рембрандт, Ван Гог и Фрида Кало, создавали много автопортретов, исследуя свои внутренние противоречия и психологические проблемы. Среди автопортретов Дюрера есть один, напоминающий Христа. Позже многие художники начали использовать автопортреты как поле для экспериментов; в их числе были Гойя, Курбе, Делакруа, Мане, Сезанн и Тулуз-Лотрек.

Дорогие друзья, сегодня вы познакомитесь с выставкой «Очевидное», а точнее с тем, что от неё осталось. Выставка частично демонтирована, но все равно представляет интересное зрелище. Это 13-я отчётная выставка работы Арт-резиденции в деревне Звоз, но сначала, давайте поговорим, что такое Арт-резиденции.

Арт-резиденции: инструкция по применению

Где искать варианты? Как написать заявку? Почему меня не берут? Если не взяли в первый раз, стоит ли подаваться ещё? Что делать, если пригласили в резиденцию, а она оказалась платной? Анна Евтюгина, основатель нью-йоркского агентства iPureland, которое помогает художникам и арт-организациям получать гранты на свои проекты, составила список практических рекомендаций

Художники путешествовали всегда, однако резиденции в современном понимании появились в конце XIX — начале ХХ века. Их главная задача — предоставлять творцам время и место для творческого развития, а также дополнительные ресурсы, как материальные, так и культурные.

Что нужно художнику? Пространство — чтобы жить и чтобы работать; свободное время — чтобы создавать искусство; профессиональные знакомства и связи; бюджет на производство и на покрытие расходов на жизнь; аудитория, которой можно показать свои произведения и с которой их можно обсудить. Каждый из этих ресурсов можно найти отдельно — у разных галерей, музеев, предоставляющих гранты фондов, нацеленных на сотрудничество с художниками брендов и т. п. Однако формат арт-резиденции придуман, чтобы удовлетворять все эти потребности одновременно.
Резиденция — это ещё и организация-посредник между художником и территорией. По моему наблюдению, чаще всего резиденции образуются, чтобы решить какую‑либо проблему, например, появилось пустующее здание — можно поселить там художников, или у местного сообщества есть какой‑то культурный запрос, или им надо куда‑то пристроить своих детей, или есть заброшенное место и ему нужно придумать новую функцию. Поэтому художнику не стоит фокусироваться только на собственной позиции: что резиденция может дать вам. Лучше задуматься, чем вы можете быть полезны этой территории, — и тогда вас возьмут с куда большей вероятностью.
Какие бывают резиденции?

1.
Изначально резиденции были местами для продолжительного уединения, где художник мог отстраниться от бытовых и семейных проблем, работы с документами и необходимости обслуживать себя, где он фокусировался на своей практике. Другой тип резиденции появился позднее — он подразумевает не уединение, а, наоборот, пребывание в сообществе. Художник едет туда, чтобы попасть в команду профессионалов — кураторов, критиков, художников, — с которыми можно сотрудничать или обмениваться идеями. Для начала стоит разобраться, чего именно вы хотите. Например, нужно ли вам одиночество, или требуется кураторский надзор и комментарии более опытных художников? Далеко не все резиденции это предлагают.
Многие уверены, что художник заранее придумывает свой проект и предлагает его резиденции. На самом деле в огромной степени именно формат резиденции определяет, что будет делать художник

2.
Ещё один тип резиденции построен вокруг определённых технических возможностей. Например, у организаторов есть всё для шелкографии, выплавки металла или производства керамики. Зачастую дорогое и громоздкое оборудование, с которым нужно поработать художнику, невозможно приобрести в мастерскую, а в резиденции оно есть — и это хороший выход. Туда же можно поехать, чтобы освоить совершенно новую для себя технологию.
3.
Многие уверены, что художник заранее придумывает свой проект и предлагает его резиденции. На самом деле в огромной степени именно формат резиденции определяет, что будет делать художник. Обратите внимание: далеко не все рассчитывают, что по окончании срока вы полностью реализуете какой‑то творческий замысел. Некоторые резиденции — особенно краткосрочные, до месяца, — предлагают сфокусироваться на исследовании их территории или их профессиональных задач с целью выработать новое видение.

4.
Существуют резиденции при музеях, их немного, но они часто очень престижные, туда трудно попасть. Например, в музее Куинса есть двухгодичная программа: художник несколько дней в неделю работает в музейном пространстве и посещает образовательные семинары. Это даёт серьёзный карьерный рост и знакомство с именитыми кураторами, с которыми поддерживает связи статусный музей.
5.
Несколько лет назад была опубликована статистика, что 88 % выпускников нью-йоркских высших учебных заведений не успевают освоить бизнес-навыки, необходимые для развития собственной карьеры. По сути, они не умеют планировать. Некоторые резиденции заточены именно на такое профессиональное развитие — учат, как подавать заявки на гранты и в резиденции, как планировать свою карьеру, какие ресурсы можно привлекать. Например, программа в нью-йоркской резиденции Residency Unlimited, где я выступаю одним из кураторов, нацелена на развитие профессиональных навыков, важных для развития карьеры художника, куратора и галериста в международном контексте. В этом году мы запустили и программу для арт-профессионалов из России.
6.
Существуют программы, специализиру­ющиеся на связке искусства и технологий, что очень актуально сегодня. Например, Новый музей в Нью-Йорке в 2014 году открыл первый музейный инкубатор New Inc — уникальное пространство, предназначенное не только для художников, но и для культурных стартапов на стыке искусства, дизайна и технологии. Их резиденты развивают идеи и решения, которые можно будет использовать как в музейной среде, так и в креативных индустриях. New Inc привлекает множество профессиональных консультантов, менторов, что формирует очень классное сообщество.
Один художник придумал для Facebook внутрикорпоративную аналоговую социальную сеть: лично разносил сообщения на карточках всем трём тысячам сотрудников

7.
Крупные корпорации тоже начали открывать резиденции. Насколько мне известно, началось всё с Facebook: в 2005-м Марк Цукерберг пригласил художника Дэвида Чоэ выполнить несколько настенных росписей в офисе компании в обмен на пакет её акций. С 2012 года кураторы Facebook уже регулярно приглашают художников поработать в разных филиалах. Для заказчика в этом много преимуществ: художник преобразует пространство, создаёт творческую атмосферу для сотрудников, транслирует ценности компании — новаторство и готовность к экспериментам. Кроме того, у сотрудников возникает возможность постоянно наблюдать, как трудится художник. Некоторые художники становятся настолько популярными, что им приходится работать по выходным и по ночам, поскольку днём их всё время отвлекают. Резиденты могут интегрировать свой проект в работу компании. Один из них придумал для Facebook внутрикорпоративную аналоговую социальную сеть: лично разносил сообщения на карточках всем трём тысячам сотрудников.
8.
Другой вариант резиденции от корпораций — когда компания разработала новый продукт и приглашает художника исследовать его возможности в надежде, что резидент предложит что‑то за рамками стандартного взгляда. К примеру, Google недавно собирал художников, мультипликаторов, дизайнеров и даже танцоров, чтобы протестировать Tilt Brush, новый инструмент для создания 3D-изображений в виртуальной реальности.

9.
Корпоративные резиденции не обязательно преследуют настолько утилитарные цели. Зачастую бизнесы стремятся работать с художниками просто потому, что это часть их социальной миссии. Программа Google, например, интересна ещё и своей междисциплинарностью, так как создана на стыке технологии, искусства и моды. В этом году Google также предлагает гранты — в сочетании с собственной экспертизой — современным художникам, которые используют в своей практике машинное обучение.
10.
Мне нравится утверждение художницы Ольги Киселёвой: «Каждому парку нужен художник!» На деле это означает, что арт-резиденции могут располагаться где угодно. Например, 360 Minute Creative Residency подразумевает, что художника на шесть часов помещают в какое‑то общественное пространство Нью-Йорка — в продуктовый магазин, на перекрёсток, в офис, на завод по переработке мусора. Там он может делать всё, что хочет, но основная задача — переосмыслить и само пространство, и процесс собственного творчества. Или знаменитый парк скульптур «Сократ» на Лонг-Айленде — он выделяет финансирование на создание новых скульптур в пространстве парка, где те и остаются. Вроде ничего особенного; тем не менее, это невероятно престижное место и первоклассная строчка в резюме любого художника.
Британская резиденция сэра Энтони Гормли располагается в особняке XVIII века в Норфолке. Классик приглашает к себе начинающих, которые придумывают, как реализовать его идеи, — получается очень продуктивный обмен

11.
Ещё один тип резиденции — это местечко под крылом большого мастера. Яркий пример — Watermill Center, основанный в 1992 году легендарным театральным режиссёром Робертом Уилсоном. Приглашённые художники, дизайнеры, даже продюсеры и арт-менеджеры, участвуют там в семинарах — их проходит 6—7 за 2 месяца резиденции. С одной стороны, они учатся методам, которые использует мэтр, работают в непосредственной близости от него, с другой — помогают разрабатывать идеи для его будущих постановок и организовывать большую ежегодную гала-вечеринку. Судя по отзывам моих друзей, это потрясающий опыт. Или британская резиденция сэра Энтони Гормли — она располагается в особняке XVIII века в Норфолке. Классик приглашает к себе начинающих, которые тоже придумывают, как реализовать какие‑то его идеи, — получается очень продуктивный обмен.
Где искать резиденции?
1.
Самый большой ресурс для поиска резиденций — это www.resartis.org. Он агрегирует информацию о резиденциях со всего мира и проводит для них конференции, на которых профессионалы знакомятся и обмениваются опытом. Искать можно не только по странам, городам и срокам, но и, например, по специализациям и даже по материалам, с которыми резиденция работает. Можно включить фильтры: например, чтобы поиск не выдавал резиденций, где вам придётся платить за пребывание. Однако этот пункт стоит проверять каждый раз отдельно.
2.
Второй большой ресурс — это относительно молодой сайт www.rivet.es. В России он заблокирован, но все, думаю, умеют это обходить. Здесь, на мой взгляд, очень удобная система поиска — в частности, легко понять, предлагает ли резиденция финансирование проекта и проживания или требует расходов с вашей стороны.

3.
Ещё мне нравится сайт creative-capital.org — это американская организация Creative Capital, которая даёт очень большие гранты на реализацию арт-проектов, но, кроме того, создаёт собственные подборки резиденций. Смысл в том, что вам не нужно сомневаться, хорошие ли это предложения: в такие курированные подборки попадают только действительно достойные программы.
4.
Не нужно сразу же отметать платные резиденции. Существуют возможности получить финансирование специально под них, и это гораздо проще, чем искать деньги на проект или оплату своего труда. ­Многие резиденции сами помогают художнику получить грант на поездку, если человек им интересен, — у них, как правило, есть наработанная система контактов. То есть ориентироваться надо на то, насколько резиденция полезна или подходит именно вам, а потом уже искать способ туда поехать.
5.
Существует ещё целый ряд электронных ресурсов, посвящённых не непосредственно резиденциям, а такому понятию, как artists' opportunities. Это и резиденции, и гранты для художников, и выставки, формиру­ющиеся по принципу open call, куда можно представить свою работу, чтобы тебя заметили. Зачастую имеет смысл выбирать резиденцию или выставку и одновременно искать грант на оплату дороги или производство экспонатов — их гораздо проще получить, если у вас уже есть подтверждение, что конкретная резиденция или выставочное пространство готовы вас принять на конкретные даты. Это очень повышает шансы на успех.
6.
Я регулярно проверяю, на каких порталах и как представлены русские резиденции. Их нет почти нигде — и это, конечно, показатель изолированности нашего арт-сообщества. Думаю, это одна из причин, по которым отечественным художникам сложно понять, как работают резиденции и почему их туда редко берут. Это широчайший спектр возможностей, но нужно учиться ими пользоваться.
7.
Российским художникам зачастую неочевидно, насколько огромное число грантов сейчас выделяется — гранты от государств, от городов, от конкретных организаций, даже совершенно неожиданных. Есть, например, интересный проект Governors Island. Это бывшая американская военная база, которую каждое лето отдают художникам и арт-НКО, чтобы те делали там выставки, фестивали, открытые студии — что захотят.
В Москве художнику, как правило, не говорят: ты заканчиваешь университет, напиши бизнес-план на ближайшие три года. А это очень хорошо помогает увидеть перспективы

8.
Существует большая и важная организация New York Foundation for Arts (NYFA), которая предлагает много программ для профессионального развития и грантов, даже таких, которые позволяют художнику тратить полученное финансирование на любые нужды. У них есть программа и для иммигрантов, которым помогают интегрироваться в профессиональную среду. Самое важное: они ведут большую образовательную программу, в частности, онлайн-семинары, на которые можно записаться за небольшие деньги и где рассказывают, как искать и как получить место в резиденциях, как находить финансирование на творческие проекты и — шире — как художникам заниматься бизнес-планированием. С точки зрения американской системы, студия художника — это малый бизнес. Она обладает всеми свойствами самой обычной небольшой компании, и её работу нужно планировать соответственно. Вот есть некоторые ресурсы и некоторые расходы, а я умею производить определённый продукт. Надо понять, как получить выгоду, финансовую и нефинансовую, какие средства можно привлечь, даже если это дополнительная работа, отличная от творчества. На мой взгляд, художественную практику в России полезно рассматривать под тем же углом. В Москве художнику, как правило, не говорят: ты заканчиваешь университет, напиши бизнес-план на ближайшие три года. А это очень хорошо помогает увидеть перспективы.

9.
Задача художника — не только искать для себя возможности, но и создавать их, самостоятельно или в сотрудничестве с другими художниками, галереями и кураторами. Важнейшая привилегия этой профессии в том, что ты можешь быть инициатором. Художник может приходить на чужую территорию, и его пустят, ещё и рычаги дадут. Предприимчивость — это по сути то же творческое любопытство, поэтому, на мой взгляд, это очень естественная черта именно для художников.
Как составить план и написать заявку?

1.
Оцените и запишите собственные цели и задачи, а затем сопоставляйте их с интересными вам резиденциями: соответствуют ли их возможности вашим целям, соответствуют ли их ресурсы вашим задачам.
2.
Не стоит сразу кидаться писать заявки — лишь бы куда‑нибудь да взяли. Позадавайте себе проверочные вопросы. На каком этапе карьеры я нахожусь? Как я вижу свой дальнейший путь? Хочу ли я работать в команде с другими людьми или сфокусироваться на собственном видении и индивидуальном проекте? Хочу ли я поработать в совершенно новой обстановке или буду искать студии в своём городе, чтобы была возможность жить дома?
3.
Обязательно смотрите, кто был в резиденции до вас: насколько вы соответствуете этим художникам по возрасту, похоже ли то, что вы делаете, на каком этапе карьеры они находились — начинающие или уже с именем. Часто резиденции нацелены именно на художников определённого типа.
4.
Не нужно пытаться попасть в резиденцию, которая не соответствует вашей категории, даже если она более крутая. Дело не только в том, что вы зря потратите время на заявку. Эта резиденция ничем не сможет вам помочь. Резиденции специально ограничивают набор, чтобы быть полезными именно для художников из своей узкой ниши.
Подавать в одну и ту же резиденцию несколько раз, даже если в прошлый вас не взяли, — полезно. Во-первых, ваше имя могут запомнить и начать узнавать. Во-вторых, обстоятельства могут измениться

5.
Есть модель, которую редко рассматривают, но она очень продуктивна: одновременно с пребыванием в резиденции поработать в студии другого художника. 

Представляю вашему вниманию работы с выставки «Очевидное», в скором времени создам альбом и подпишу авторов и этикетаж. Часть первая.

Фото работ с выставки «Очевидное». Часть вторая. Спасибо Лидии Кузнецовой за предоставленные фото.

Фото работ с выставки «Очевидное». Часть третья.

Фото работ с выставки «Очевидное». Часть четвертая.

Начнём сегодня наш творческий день с мастер-класса по натюрморту, но необычный, а хроматический серый.

Материалы:

- любой набор дополнительных цветов (красный/зелёный, желтый/фиолетовый, синий/оранжевый)

- Белая краска
- Несколько простых предметов

При смешивании дополнительных цветов мы получим тона (они называются хроматические серые), которые создадут нежную, спокойную гармонию цвета на вашей картине. Эти тона приносят спокойствие. Этот мастер-класс отличается от предыдущих. Вы будете работать исключительно с хроматическими серыми и смешивать их с белым.

Начнём!

1. Найдите нейтрально окрашенные предметы и разместите их на белой поверхности (рис.1)
2. Выберите два дополнительных цвета и смешайте их, чтобы нейтрализовать цвет.
3. Добавьте в этот состав Белый цвет, чтобы расширить палитру цветов на рисунке (рис.2).
А вы знаете, что итальянский художник Джорджо Моранди мастерски использовал хроматический серый для отражения атмосферы спокойствия в своих натюрмортах. Рисунок без использования глубоких приглушённых тонов подобен беседе на повышенных тонах.

К тому же, интересно использовать эту палитру при создании пейзажа, чтобы придать картине ауру спокойствия. Можно также использовать эти цвета для создания тонкого перехода цвета.

Доброе утро! Сегодня финальный день нашей краткосрочной программы по знакомству с миром живописи и визуального искусства в целом. Поскольку этот четверг объявлен днем цвета в искусстве, предлагаем его сделать днём мастер-классов по смешиванию цветов, а также цветовыражению.

Мастер-класс «цветовые пятнышки»

Материалы:
- бумага для акварели
- Акварельные краски
- Несколько маленьких кистей
- Карандаш
Швейцарский художник Пауль Клее был талантливым мастером, создавшим большинство своих работ в первой половине ХХ века. Мы поэкспериментировал в его манере с визуальным наложением цвета и текстуры.

Начнем!

1. Создайте простую композицию на листе бумаги для акварели. Начните с окружности, затем нарисуйте четыре пересекающиеся линии (рис. 1).
2. Получившиеся сегменты раскрасьте акварельной краской. Поэкспериментировать с наложением цвета (рис.2,3).
3. Когда рисунок высохнет, нанесите штрихи по окрашенному верхнему слою (рис.4).
Делая мазки, старайтесь смешать цвета основного слоя, чтобы общий тон был гармоничным, трансформировался и передавал волшебную глубину картины.

Кстати, Пауль Клее обучался европейской классической живописи, но отказался от неё после посещения Туниса. Там он познакомился с традиционным искусством нанесения узора на керамическую плитку, очень распространённым в этой части Света. Вернувшись в Германию совсем другим человеком, он всю свою жизнь посвятил абстракции в искусстве, придавая особое значение цвету, геометрии, текстуре и символам.

Цвет в искусстве

Одно из важнейших выразительных средств искусства - цвет. Эксперименты с ним часто становились основной задачей художников, особенно когда появились яркие недорогие синтетические пигменты.
Первые пигменты делали из растений и минералов. Некоторые пигменты были дороги. После 1704 года началось производство синтетических пигментов. В 1810 году Иоганн Вольфганг фон Гете (1749-1832) написал, что цвет имеет эмоциональную энергию, которая может сильно воздействовать на зрителя. Венецианские художники эпохи Возрождения накладывали краску тонкими прозрачными слоями, чтобы добиться эффекта свечения. В романтизме именно цвет, а не линии, был важнее прочего. Художники использовали интенсивные цвета, чтобы вызвать отклик у зрителей. Художники братства прерафаэлитов, основанного в 1848 году, использовали насыщенные цвета, накладывая их на белую основу. Вскоре импрессионисты, постимпрессионисты и неоимпрессионисты начали создавать произведения в соответствии с цветовыми теориями, например законом одновременного контраста, чтобы достичь максимальной выразительности цвета. Сера, Гоген, Ван Гог и Матисс сделали цвет основой своих работ, и их опыт стал источником вдохновения для многих Художественных направлений, в том числе фовизма, орфизма и абстрактного экспрессионизма.
В 1912 году сформировалось движение, сосредоточенное на проблемах цвета. Поэт и критик Гийом Аполлинер (1880-1918) назвал его орфизмом в честь античного поэта и музыканта Орфея. Стиль рождён под влиянием кубизма Робером Делоне и Соней Делоне-Терк, создававшими композиции из цветовых пятен.